Até onde chega minha voz?

Como fazer que o público escute o que está sendo dito em cena?

Esta preocupação é bastante frequente no trabalho com não atores e quando são crianças, ainda mais.

Podemos pensar uma resposta para esta questão que vai em dois sentidos, que podem parecer opostos, mas são complementares.

A primeira resposta para esta questão está em dimensionar o tamanho do espaço e o número de pessoas da plateia. Isto significa que se queremos que as crianças se apresentem em público sem o uso de amplificação por meio de microfones, não podemos esperar que o alcance de suas vozes será semelhante ao de um adulto e muito menos de um ator ou atriz.

A dificuldade desta amplificação natural se deve ao fato de que o corpo das crianças não tem o mesmo tamanho do que o dos adultos e que a dificuldade em projetar a voz, em ampliá-la é muito maior nestas condições.

Você pode pensar: mas elas gritam tanto e tão alto! Sim, elas gritam alto, porém uma cena não é feita com personagens gritando, o que significa que não é possível resolver este problema no grito!

Consequentemente, aqui vai a primeira dica: adeque o espaço ao potencial das crianças! Apresentações em lugares menores, com um público menos numeroso e mais próximo da cena garante a possibilidade de que as crianças sejam ouvidas.

O segundo aspecto a ser considerado é o trabalho que precisa ser feito para que as crianças e adolescentes saibam projetar a voz e torná-la mais audível. Este trabalho será composto de diferentes exercícios de percepção e de uso da voz no qual cada um descubrirá as variáveis possíveis e a altura (me refiro ao mais grave ou mais agudo) adequada ao seu timbre.

Conhecer a própria voz é condição para poder projetá-la mais e ser mais audível.

Até aqui falamos de apenas um aspecto do trabalho com a voz, que explora possibilidades de ser ouvido em cena. Ainda falta falar sobre maneiras de trabalhar a expressão da voz, mas isto ficará para outro post.

E como este blog é voltado, principalmente, para professores e professoras, lembrem-se que mesmo não trabalhando no palco, a tua voz é um dos principais instrumentos de trabalho. Você conhece a tua? Sabe como projetá-la? Caso nunca tenha estudado tua voz, não perca tempo! Não deixe que ela se acabe!

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Para que serve a consciência corporal?

Muita gente pode se perguntar o que é consciência corporal, embora estas duas palavras juntas já expliquem um pouco do sentido dessa expressão. Todos sabem alguma coisa sobre o próprio corpo e neste sentido, todos têm alguma consciência corporal. Então qual é a importância de trabalhar a consciência corporal e qual sua relação com o teatro?

O teatro é uma linguagem artística que ocorre por meio do corpo. Precisamos do corpo para nos expressar teatralmente! Neste sentido, não basta sabermos coisas básicas, como reconhecer quando sentimos fome ou quando temos sono.

Foto do arquivo da autora

A consciência corporal irá explorar as possibilidades de movimento, controle e expressão do corpo. Para tanto é importante que neste trabalho seja oferecida informações sobre a estrutura óssea, a musculatura e os órgãos, pois compreender conceitualmente, além de sensorialmente ajuda neste processo.

Mas, é na exploração das possibilidades corporais que iremos conhecer nosso corpo. Um dos aspectos importantes a ser ressaltado é que não existe um modelo perfeito onde devemos chegar. Os corpos são tão variados como o número de pessoas existentes na Terra. Conhecer esta diversidade e reconhecer suas especificidades é parte desta proposta.

Vale a pena lembrar que o corpo não é apenas força ou alongamento, estas duas qualidades são características da musculatura corporal e irão interferir nas possibilidades de realização de alguns movimentos, de alguns gestos, mas a expressão não está vinculada a potência muscular! A expressão acontece muito mais pelo quanto nos conhecemos, pela consciência que temos de nossas possibilidades do que pelo exercício muscular.

O corpo é pele, olhos, boca, voz, dedos do pé… Nosso corpo irá se expressar com cada cantinho, assim como com o todo. As emoções que sentimos interferem na forma pela qual nos expressamos e conseguir controlar as emoções é parte do trabalho de consciência corporal. Saber até onde podemos controlar, também é parte da consciência sobre nossas possibilidades.

São inúmeros os campos de atuação para que possamos saber mais sobre o funcionamento corporal e sobre nosso potencial expressivo. Na próxima proposta dos Alunos em cena iremos apresentar uma sugestão. Enquanto isso, vá sentindo seu corpo e descobrindo um pouco mais sobre você!

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O que vou iluminar?

A cena teatral pode ocorrer em qualquer espaço. Muitas vezes ocorre na rua, sob a luz do sol, que é uma luz tão poderosa que dificilmente podemos concorrer com ela! Mas quando estamos fechados entre quatro paredes e cobertos por um teto, ter uma luz que ilumine o espaço é condição para que possamos ver o que ocorre nele.

Foto disponível em www.funarte.gov.br

Até 1879 a luz elétrica não existia, o que significa que as apresentações teatrais eram feitas com a iluminação solar ou com a luz proveniente do fogo e de outras maneiras de manter um lampião aceso, como querosene ou gás, por exemplo. Muitos teatros pegaram fogo por esta condição.

A dificuldade em acender e apagar os lampiões ou semelhantes fez com que por muito tempo todo o espaço teatral permanecesse iluminado, não havendo distinção entre palco e plateia, no que diz respeito a iluminação.

Nestes quase cento e cinquenta anos, desde a descoberta da luz elétrica, muitos recursos foram inventados, criando múltiplas possibilidades para a cena. Entretanto, apesar da grande diversidade tecnológica, a pergunta sobre o que vou iluminar permanece.

Se não queremos fazer da montagem teatral um show de luzes, precisaremos escolher onde colocar luz conforme as necessidades que a cena pede.

Não há dúvida de que ter um teatro com muitos recursos é a delícia da maior parte dos encenadores. Poder experimentar qual luz se adequa mais a cada cena, com as variedades de cores, as multiplicidades de recortes e de focos é algo que enriquece a cena. Se além do equipamento o grupo contar também com um bom iluminador, que irá se debruçar na análise das necessidades, tendo já um conhecimento sobre as possibilidades técnicas, e criando soluções para a cena. Aí então, chegamos aos céus e com um foco de luz iluminando o caminho.

Mas se teu trabalho é em uma escola na qual teu único recurso é a luz branca do teto, lembre-se que existem abajures e lanternas para darem graça à nossa vida e à nossa cena.

O mais importante ao pensarmos a luz da cena é explorarmos as necessidades que a cena pede. Se a cena pede escuro, mas só pode ser feita em uma sala iluminadíssima, você terá que descobrir outros recursos para que o escuro chegue neste espaço cheio de luz.

Só não deixe que a falta de recursos se transforme em pobreza para a tua imaginação. Veja quais as cores e os tons que a cena pede; quais os recortes de luz, o enquadramento necessário e se ponha a explorar possibilidades, sem abandonar este campo da cena porque te falta equipamentos. Afinal, só vale apagar a luz do interruptor da escola, quando tivermos uma chama acesa!

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É preciso figurino para fazer teatro?

É preciso figurino para fazer teatro?

Para respondermos a esta pergunta, vamos antes entender o que é o figurino.

Figurino é a roupa, o adereço, o enfeite de cabeça ou de corpo que é utilizado pelos atores quando fazem teatro. Ele pode ter sido escolhido, criado por algum figurinista ou apenas ser a roupa que o ator usava no momento da cena. Mesmo que seja a roupa de ensaio, quando utilizada em cena, passa a ser o figurino escolhido.

Imagem retirada do vídeo O avesso do figurino disponível em https://www.youtube.com/watch?v=bKN9FIKmis8

 

Ao pensarmos desta forma, sempre haverá um figurino em cena, mesmo que seja o uniforme utilizado por alunos em uma sala de aula. Fausto Viana fala sobre figurinos em sua dissertação de mestrado:

“O figurino é qualquer peça que será portada pelo corpo do ator em cena, fazendo parte do conjunto visual que ele apresenta, independente do espaço cênico. A roupa é fundamental e interage com todos os elementos que compões o espetáculo: a iluminação pode alterar a sua cor, a coreografia pode ser prejudicada, o cenário pode apagar seu efeito. Até mesmo uma marcação de cena pode tornar o figurino inútil ou desnecessário, se o ator não aparecer.

E o oposto também é verdadeiro: todas as funções citadas acima podem ser realçadas pelo figurino. Da interação surge um trabalho harmonioso. A luz pode transformá-lo, aumentando ou diminuindo-o! O cenário ganha nova vida com peças de vestuário adequadas. Uma coreografia torna-se mais graciosa com tecidos leves sugerindo múltiplos efeitos aéreos…

Tudo isso para compor o espetáculo teatral.”

O figurino conta muito sobre o personagem, ele possibilita que saibamos mais sobre diversas características como a idade, a classe social ou o estilo de vida, mas não é o figurino que compõe um personagem e sim a interpretação. Por mais incrível que seja um figurino, ele não sustenta um personagem se o trabalho do ator for ruim.

Imagem retirada do texto Trabalho do Figurinista, disponível em: https://issuu.com/indepininstituto/docs/o_trabalho_do_figurinista_-_arquivo

 

Mas como pensarmos o figurino para o ensino de teatro? Será que ele é sempre necessário?

Eu acho que não!

 

 

O trabalho realizado com alunos pode ser feito sem qualquer figurino, pois o que nos interessa primordialmente é a descoberta das possibilidades expressivas. O que mais queremos é que os alunos descubram maneiras de se expressarem corporalmente, explorando gestos que nos contem sobre seus personagens, mesmo sem nenhuma roupa para ajudá-los nesta composição.

Isto significa que não devemos usar figurinos?

Claro que podemos usar figurinos, mas não é uma obrigação! Não deve ser usado em qualquer situação, em qualquer improvisação. E mais importante, não pode chamar mais a atenção que os gestos do ator.

O figurino precisa sem pensado como parte da composição do personagem, portanto ele não pode chegar à cena somente no dia da apresentação, ele tampouco pode ser algo que atrapalhe os alunos nos seus movimentos ou na projeção de sua voz.

Uma das possibilidades é que os alunos construam seus figurinos, seja com o uso de diferentes roupas disponíveis para tal, seja com a ajuda de uma costureira.

Existem figurinos maravilhosos e figurinistas que fazem um trabalho incrível! Vale a pena conhecer um pouco para que você se inspire, mostre para seus alunos e descubra as muitas maneiras possíveis de criar um personagem.

Ocupação cenográfica assinada por Laura Vinci, imagem retirada de: http://mangacenografica.blogspot.com.br/2010/05/

Para saber mais:

Rosane Muniz em Vestindo os Nus (Rio de Janeiro: Editora SENAC, 2004) conta a história do figurino de teatro no Brasil. Relaciona o figurino ao trabalho do ator, à crítica e à direção, analisa o trabalho de Gianni Ratto e de Kalma Murtinho, além de entrevistar diversos figurinistas brasileiros.

 

 

Figurino Teatral e as renovações do século XX (São Paulo: Estação das Letras e Cores, 2010) é um livro que investiga as raízes dos processos contemporâneos da criação de trajes teatrais. Fausto Viana analisa a evolução histórica do figurino no teatro ocidental, pela pesquisa de sete encenadores: Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Konstantin Stanislavski, Max Reinhardt, Antonin Artaud, Bertold Brecht e Ariane Mnouchkine.

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O som da cena

Talvez seja estranho pensar no som da cena! Cena teatral tem som? O som não é apenas a fala dos personagens? O som da cena também pode ser chamado de sonoplastia, e podemos compreender o que é a sonoplastia a partir da escuta dos sons que existem nas nossas “cenas” cotidianas.

Vivemos rodeados de sons. Se você escutar o lugar onde está neste momento,  perceberá que, por mais silencioso que seja, está repleto de sons. Murray Schafer denominou esta situação de “paisagem sonora”. Quem se interessar por este assunto encontrará diversas publicações a respeito – há muito material a pesquisar.

Jean-Jacques Roubine, em seu livro A linguagem da encenação teatral (1998, Editora Zahar), afirma:

Os naturalistas foram os primeiros a se interrogar sobre a sonorização do espaço cênico. E se a tradicional música de cena habitualmente usada para manter um certo clima durante as pausas impostas pelas mudanças de cenários lhes aparecia como um artifício parasitário do qual era necessário se livrar, a sonoplastia, pelo contrário, era capaz, na sua opinião, de interferir com eficiência para reforçar a ilusão visual através de sua verdadeira paisagem sonora.

Os recursos para compor o ambiente sonoro são muitos e vão variar conforme a proposta da peça: pode existir a intenção de que a sonoplastia leve a plateia a se sentir no espaço no qual a cena ocorre, mas também se pode desejar que a sonoplastia traduza as emoções dos personagens, recurso bastante utilizado nas novelas. Ou, ainda, a sonoplastia pode buscar um contraponto, causando um estranhamento entre o que se vê e o que se ouve – tudo dependerá, como eu já disse, da proposta da montagem.

O uso de músicas, ruídos, canto, sejam eles executados ao vivo, pelos atores, sejam gravações reproduzidas durante a apresentação, é possível e bastante comum. Porém, é importante pensarmos que existe, inclusive, a escolha por não utilizar nenhuma sonoplastia, também como parte da concepção da cena. Seja o som pensado e escolhido ou o som do espaço no qual a apresentação ocorre, ele fará parte da cena.

Para saber mais:

Se você quer conhecer mais sobre o assunto, pode pesquisar no livro A sonoplastia no teatro, de Roberto Gil Camargo, ou na tese de Fabio Cintra, A musicalidade como arcabouço da cena: caminhos para uma educação musical no teatro, que estabelece relações entre a música e a cena teatral, enfocando a improvisação como espaço comum (Disponível aqui.)

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Qual o papel do cenário?

Para podermos pensar em como criar um cenário teatral, precisamos entender o que é um cenário e qual sua função na montagem de uma peça ou na prática teatral.

O cenário é composto pelos objetos e pelos elementos visuais que irão compor a cena. Precisamos diferenciar o cenário do espaço da cena, que pode ser um palco de um teatro, a rua, um barco ou uma sala de aula. O espaço onde a cena ocorre, com toda certeza, define parte das características da cena, e falaremos disso em uma outra postagem.

O cenário é o que colocamos em um espaço de cena já definido e que irá dialogar com o trabalho dos atores para a construção da cena.

Imagem retirada de http://www.funarte.gov.br/

Gianni Ratto apresenta diferentes definições de cenografia em seu livro Antitratado de cenografia: variações sobre o mesmo tema. E eu escolhi uma delas para entendermos um pouco mais sobre o assunto:

Cenografia é o espaço eleito para que nele aconteça o drama ao qual queremos assistir. Portanto, falando de cenografia, podemos entender tanto o que está contido num espaço quanto o próprio espaço. […] Cenografia é a identificação de um espaço único e irrepetível capaz de receber sem inúteis interferências as personagens propostas e os atores que as interpretam. A verdadeira cenografia é determinada pela presença do ator e de seu traje; a personagem que se movimenta nas áreas que lhe são atribuídas cria constantemente novos espaços alterados, consequentemente, pelo movimento dos outros atores: a soma dessas ações cria uma arquitetura cenográfica invisível para os olhos, mas claramente perceptível, no plano sensorial, pelo desenho e pela estrutura dramatúrgica do texto apresentado.

Nesta definição fica clara a relação entre todos os elementos da cena e a importância de que os objetos escolhidos não sejam um enfeite do palco, mas, sim, que dialoguem com todos os demais elementos da montagem.

 

 

 

Para quem quiser descobrir um pouco mais do trabalho de cenário, veja a seguir algumas dicas.

  • Uma recomendação comum, quando falamos de ensino de teatro, é que o cenário só apareça quando ocorrem apresentações e, em geral, bem perto do dia de apresentar – de preferência, na hora de apresentar. Esta visão de cenário está pautada na ideia de que o cenário tem como função embelezar a cena. No entanto, ainda que possamos mesmo deixar a cena mais bonita, o cenário precisa ser vivido como elemento que irá compô-la e, portanto, ele precisa aparecer no decorrer de todo o trabalho de experimentação, no jogo, nas brincadeiras.
  • Dentro da escola, o cenário pode ser montado como motivador para a cena. Se estamos falando de crianças bem pequenas, de zero a 3 anos, o mais indicado é que os professores organizem o espaço para que elas brinquem nele. Para as demais idades, também podemos ter momentos nos quais os alunos serão surpreendidos com o espaço transformado.
  • Mas outra forma de criar cenários é com a participação dos alunos, com uma elaboração que pode ocorrer com todos juntos ou com pequenos grupos. Evidentemente, depois de montar, as crianças irão experimentar cenas neste novo espaço!

Para saber mais:

Você pode conhecer mais sobre o trabalho de Gianni Ratto no site da FUNARTE: http://www.funarte.gov.br/brasilmemoriadasartes/acervo/cenario-e-figurino/biografia-de-gianni-ratto/

Ou no Instituto Gianni Ratto: http://gianniratto.org.br/

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O que se aprende improvisando?

Improvisar é um termo cotidianamente utilizado quando se quer expressar que não nos preparamos para algo e precisamos resolver um problema de última hora. Nesta concepção, a ideia de improvisar está bastante associada à falta de preparo e à provável falta de qualidade. Mas também traz a ideia de algo que será feito sem um roteiro prévio e, neste aspecto, se aproxima do conceito de improvisação teatral.

Improvisação do grupo que pesquisei no meu mestrado

A improvisação pode acontecer em diferentes áreas do conhecimento e é bastante frequente na Arte. Os músicos ou os dançarinos improvisam em muitas de suas apresentações, o que significa que nem tudo o que fazem foi previamente ensaiado.
No teatro, a improvisação pode ocorrer no momento da apresentação, e alguns espetáculos são estruturados de forma a que a improvisação ocorra permanentemente.

Foto retirada do site do grupo.

Um grupo teatral que tem como base a improvisação é a Cia. do Quintal. Em seus espetáculos, eles unem a improvisação e o palhaço, e as cenas são criadas com a participação do público. No espetáculo Jogando no quintal, os atores são palhaços e a cena é ambientada como um jogo de futebol.
Os palhaços-atletas são divididos em times. Além deles, há um árbitro-palhaço e uma banda de músicos-palhaços, que cria sons e melodias ao vivo. As cenas são criadas com as sugestões de temas dadas pelo público.
Esse é um exemplo de espetáculo que tem a improvisação em sua estrutura, mas pela descrição é possível perceber que os atores não entram em cena sem ter nenhuma ideia do que ocorrerá. Existe uma proposta que sustenta a cena, que dá um caminho por onde a peça se desenvolverá, mas cada cena é criada no momento em que ocorre.
Você pode conhecer um pouco mais sobre a Cia. do Quintal passeando pelo site http://www.ciadoquintal.com.br.

O uso improvisação em cena não é algo novo e num outro post falarei sobre esta história, mas quero comentar sobre a improvisação antes da apresentação, a apresentação como uma forma de se expressar.
Alguns autores escreveram sobre diferentes formas de representar. Existe muita pesquisa sobre o trabalho do ator. Você pode saber mais sobre esse assunto pesquisando alguns dos encenadores que apresentaram propostas e perceber a diferença entre eles. Dois nomes muito conhecidos entre os vários existentes são o do russo Constantin Stanislavski (1863-1938) e o do inglês Peter Brook (1925).
Alguns autores escreveram sobre diferentes formas de representar. Existe muita pesquisa sobre o trabalho do ator. Você pode saber mais sobre esse assunto pesquisando alguns dos encenadores que apresentaram propostas e perceber a diferença entre eles. Dois nomes muito conhecidos entre os vários existentes são o do russo Constantin Stanislavski (1863-1938) e o do inglês Peter Brook (1925).
Uma autora que escreveu muitas propostas de jogos teatrais tendo a improvisação como base foi a norte-americana Viola Spolin (1906-1994). Nos seus livros é possível encontrar muitos jogos e descobrir maneiras de explorar essa forma teatral, essa forma de criação que pode ocorrer para a criação das cenas ou, como na Cia. do Quintal, ser uma proposta que permanece até o final da apresentação.
Na proposta de Spolin, a improvisação irá ocorrer por meio dos Jogos, claramente sintetizados por Ingrid D. Koudela:
Spolin sugere que o processo de atuação no teatro deve ser baseado na participação em jogos. Por meio do envolvimento criado pela relação de jogo, o participante desenvolve liberdade pessoal dentro do limite de regras estabelecidas e cria técnicas e habilidades pessoais necessárias para o jogo. À medida que interioriza essas habilidades e essa liberdade ou espontaneidade, ele se transforma em um jogador criativo. Os jogos são sociais, baseados em problemas a serem solucionados. O problema a ser solucionado é o objeto do jogo. As regras do jogo incluem a estrutura (Onde, Quem, O Que) e o objeto (Foco) mais o acordo de grupo (Koudela: 1990:43).
Esta não é a única maneira de improvisar, outros autores e encenadores trabalham a improvisação tendo diferentes perspectivas e diferentes maneiras de propor. Vale a pena conhecer um pouco para poder escolher o que é mais adequado para você e para seu grupo de alunos.

Improvisação do grupo que pesquisei no meu mestrado

Por que a improvisação é uma forma importante de ensinar teatro?
Da mesma forma que acontece na cena teatral, quando criamos este espaço de improvisação na escola, possibilitamos aos alunos que encontrem soluções pessoais para a elaboração de cenas, para a criação de personagens, para que encontrem os gestos necessários. Se não ofereço uma definição prévia sobre como a cena deve ocorrer, possibilito que muitas soluções sejam exploradas, levando à criação.
Outro aspecto significativo na improvisação é a prontidão. Quando não temos um roteiro prévio, precisamos encontrar soluções à partir dos recursos que temos e que muitas vezes nem sabemos que estavam ali. Neste sentido, improvisar é um exercício que exige a capacidade de me virar, de encontrar nos cantos do meu corpo soluções para o que é necessário fazer.
Por fim, a presença é outro conceito que será explorado na improvisação. Se não estamos presentes, atentos ao espaço, a si mesmo e às pessoas com quem estou improvisando, nada irá acontecer.
Nesse sentido, a improvisação pode ser interessante quando o objetivo da atividade com os alunos é o desenvolvimento da criatividade, a busca de soluções para um problema, o desenvolvimento da prontidão e da presença. Essas habilidades são importantíssimas para a realização de várias ações cotidianas, nas quais precisamos encontrar soluções para quando a vida não ocorre conforme o planejado, ou para a criação em outras áreas de conhecimento, como a produção de texto ou ainda, a capacidade de trabalhar em grupo, ouvindo o outro.Muito mais poderíamos falar sobre este tema, que é vasto, mas paro por aqui e volto a ele em outros momentos!

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