Esta proposta busca explorar a flexibilidade corporal, fazendo com que cada parte do corpo vá ficando cada vez mais flexível e menos tensa, chegando ao ponto de um relaxamento completo.
A proposta inicia com o grupo caminhando e a cada momento da caminhada, o professor dá um comando de que uma parte do corpo virou uma gelatina. Neste primeiro momento espera-se que as pessoas tenham cada vez mais dificuldade de caminhar, conforme as partes do corpo vão sendo nomeadas.
Aos poucos será impossível seguir caminhando e cada um terá que deitar no chão, porém mesmo deitados será possível seguir nomeando as partes do corpo para que possam relaxar ainda mais.
No decorrer desta proposta é interessante falar partes isoladas e detalhadas, como por exemplo: o dedo anular da mão esquerda, as costelas do lado direito, o queixo, etc.. Ao falarmos as diferentes partes do corpo permitimos que cada um se torne mais consciente de cada uma delas e busque movimentar somente esta parte, permitindo um maior domínio corporal.
A proposta pode terminar com todos relaxados no chão ou depois de um tempo de relaxamento, as partes podem ser nomeadas para serem revigoradas, até que todos voltem a caminhar.
Esta proposta pode ser feita com maior detalhamento no momento de relaxar ou o contrário. Das duas maneiras será possibilitado a consciência corporal.
Consuelo de Castro escreveu esta peça em 1969, há mais de 50 anos e a distância que nos separa do momento da escrita pode nos fazer pensar se é um texto que permanece atual, se vale a pena ser lido ou não.
A peça apresenta um casal, em três atos e não há dúvida de que parte dos conflitos apresentados não teriam as mesmas características, ao menos para grande parte das pessoas que vivem atualmente no Brasil e em boa parte do mundo.
A ideia de casamento foi questionada de lá para cá, o divórcio virou fato, ainda que tenha sido somente em 1977 sua aprovação, atualmente ninguém comenta de forma disfarçada o fato de uma mulher ser desquitada ou separada, como acontecia na década de 70.
Apesar das mudanças, muita coisa continua atual: um relacionamento desigual, o homem muito mais velho que a mulher, um ciúme possessivo e o medo da perda doentio.
Registro fotográfico Rodrigo Whitaker Salles
Mas para além do que a peça aborda, o que encanta é a intensidade das cenas, a dramaticidade envolvente.
Yan Michalski na Pequena enciclopédia do teatro brasileiro contemporâneo, fala sobre a autora:
Consuelo de Castro
“Representante destacada da brilhante geração de dramaturgos surgida sob a ditadura, Consuelo de Castro é, entre os autores dessa geração, talvez a que possui o corpo de obra mais volumoso e diversificado. Em comum com os outros, ela tem o sentimento de inconformismo e indignação que perpassa tudo que ela escreve. O que a distingue dos outros é a sua excepcionalmente visceral noção de teatralidade, um diálogo notavelmente colorido, que ela cria com uma espantosa espontaneidade, e uma inquietação que a faz partir sempre em busca de novos caminhos”.
Se ainda não te convenci a ler, leia o pedaço de uma cena e veja se a peça te convence:
ÀFLORDAPELE
CONSUELO DE CASTRO
CENÁRIO
Sala única de um apartamento. Móveis modernos e simples. Há uma aparência de completo desleixo. Quadros fora do lugar, garrafas empilhadas no chão, etc. Uma estante de livros. Uma vitrola. Acima da estante aglomeram-se posters coloridos, uma bandeira preta com os dizeres: “Seja realista; peça o impossível”. À direita, um sofá-cama aberto, com lençóis em desalinho. No centro do ambiente, uma mesa e duas cadeiras. Sobre a mesa há uma máquina de escrever, cinzeiros, jornais, livros, copos, uma caveira, tudo na mais perfeita desordem, À esquerda, um armário cheio de roupas de uso próprio e roupas de cena.
PERSONAGENS
VERÔNICA: A aluna. Vinte e um anos. Nostalgia da ordem.
MARCELO: O professor. Mais ou menos quarenta e três anos. Desespero da ordem.
PRIMEIRO ATO
(Penumbra – Verônica está só no palco, Veste um traje longo, esvoaçante e branco, seus cabelos estão soltos e cheios de flores. É uma figura muito delicada. Anda de um lado para outro, lentamente. Sua expressão é de loucura suave. Traz nas mãos um alaúde, o qual toca desafinadamente. Canta com voz rouca uma canção sem melodia: Canção de Ofélia, namorada de Hamlet, cena V, ato II – Hamlet).
VERÔNICA (Entoando) – Nunca mais o veremos? Não mais voltará? Sumiu deste mundo, Baixai para o fundo, Que ele não voltará.
(Ela continua repetindo alucinadamente estas frases. Desafinando com o alaúde. Às vezes rodopia leve, como fantasma)
Sumiu deste mundo, Não mais voltará.
(Ouve-se um ruído de motor. Um carro estaciona, Ela para, assustada, acende a luz rapidamente, rói as unhas. Está apavorada com a chegada de Marcelo. Olha-se no espelho, ajeita as flores no cabelo. Faz uma careta sensual, como uma menina treinando uma pose sexy. Os passos vão se tornando próximos, ela morde os lábios).
MARCELO: (Entrando bruscamente) Oi… (Olha o traje) Ofélia de novo? (Ela assente com a cabeça. Está muito agitada e parece uma menina envergonhada que esconde alguma coisa. Corre a beijá-lo no rosto. Ele é frio e não retribui ao beijo. Ela finge não notar a indiferença dele. Rodopia suavemente e pega o alaúde).
VERÔNICA: Estou bonita de Ofélia?
MARCELO: (Balança a cabeça. Continua com ar preocupado e indiferente). Mais ou menos…
VERÔNICA: Alguma coisa contra Ofélia, Cavalheiro? (Gentil suave).
MARCELO: Contra Ofélia? Não. (Ele deposita a capa e o guarda- chuva sobre a mesa. Parece prestes a dizer alguma coisa de muito importante. Olha para ela, que continua fazendo gestos lentos, imitando uma donzela antiga, graciosamente). Eu não vinha aqui hoje. Mas eu precisava falar com você. (Ao ouvir isto ela para com a brincadeira. Vê-se que está com medo. Rói as unhas). Suponho que a senhorita já saiba… já saiba do que se trata. Não é, Dona Verônica? (Ele ironiza e sorri, ainda muito curioso; Ela assente com a cabeça jogando os longos cabelos para frente).
VERÔNICA: (Tentando desviar o assunto de que ele ameaça falar) Depois, tá? Depois você fala, bronqueia, tudo o que quiser. (Rodopia) Fala a verdade. Não fico linda de Ofélia?
MARCELO: (Sentando-se na cama vagarosamente) Se o Shakespeare te visse… tinha um enfarte. (Som, levemente irônico, mas com um ar paternal). Você parece mais a avó da Ofélia. Está estragando a personagem. (Acende um cigarro. Ela continua rodopiando, leve e infantil).
VERÔNICA: (Recitando suavemente) Que nobre inteligência assim perdida! O olho do cortesão, a língua e o braço do sábio e do guerreiro, a mais florida esperança do Estado… O próprio exemplo de educação, o espelho da elegância…
MARCELO: (Interrompendo) Quantos litros de uísque você entornou desde o (Ironiza) “ocorrido”?
VERÔNICA: (Parando de recitar) Eu? (Finge espanto) Eu?!
MARCELO: Você sim. Quantos litros de uísque? Vamos lá…
VERÔNICA: Nenhum… (Ri) Nenhum, imagine. Por que você pergunta isto?
MARCELO: Basta olhar para suas olheiras…
VERÔNICA: (Zombeteira ainda; olhando-se no espelho) Não estou vendo olheira nenhuma… (Olha novamente. Graciosa e irônica, começa a examinar detidamente os olhos). Nenhuma mesmo. Engraçado! (Aproxima- se dele) Onde você viu olheiras em mim? Meu Marcelo… Está vendo coisa… (Tenta seduzi-lo, aproximando o rosto bem próximo ao dele),
MARCELO: É só lavar essa maquiagem pesada e você enxerga. Lava a cara e depois vem sentar aqui, direitinho, que eu preciso conversar sério com você. Certo?
VERÔNICA: (Olhando-o assustada. Morde os lábios. Senta-se ao lado dele) Você… não vai brigar comigo, vai?
MARCELO: Não. Vou apenas colocar tudo em pratos limpos.
VERÔNICA: (Levanta-se, andando de um lado para outro, Agitada) Sei que você está uma onça. (Ri) Eu sei… Mas olha… eu… eu estava fora de mim. Completamente fora de mim…
MARCELO: Isto não justifica nada, menina.
VERÔNICA: Eu não sabia direito o que estava fazendo.
MARCELO: Você NUNCA sabe direito o que está fazendo. VERÔNICA: Aquele dia principalmente…
MARCELO: Que é que te deu na telha de…
VERÔNICA: Não sei, não me pergunte… (Tapa o rosto, teatral). Não quero falar nisto. Eu já disse. Eu estava fora de mim.
Assisti “A Pane” no SESC Jundiaí no começo de outubro e, embora o elenco já fosse promissor, a peça me surpreendeu positivamente.
“Uma comédia sobre a justiça. Hóspede inesperado se transforma em réu de um jogo em que juiz, promotor, advogado e carrasco aposentados revivem suas profissões. Uma fábula que fala dos nossos dias.”
Uma situação surreal que vai mostrando diferentes facetas sobre a justiça e sobre os desejos humanos. As mudanças vividas por todos os personagens, mas especialmente pelo Traps, hóspede que se propõe a participar deste julgamento e que vai se transformando e acreditando nas diferentes versões dele mesmo, apresentadas no decorrer do processo.
Esta situação surreal retrata as inúmeras possibilidades de manipulação da justiça em suas leituras da realidade.
Além do texto genial, a proposta de encenação é linda, com cenário de Anne Cerrutti e luz de Wagner Pinto que dialogam com a direção, encontrando a condição desejada de integração na qual a cena se beneficia.
Os atores se movimentam em uma coreografia bem desenhada, sem que se torne robótica, aliás nada mais humano do que a escolha de um dos atores atuar também como ponto, sendo a memória necessária para vermos em cena tantos bons atores poderem oferecer o melhor de si.
Não encontrei a previsão das próximas apresentações, mas você pode acompanhar o trabalho seguindo o grupo no Instagram: @paneteatro. Se puder, assista!
Texto: Friedrich Dürrenmatt.
Com: Antonio Petrin, Cesar Baccan, Heitor Goldflus, Marcelo Ullmann, Oswaldo Mendes e Roberto Ascar.
Direção: Malú Bazán.
Foto: Rogerio Alves.
As imagens deste post foram retiradas do instagram do grupo
Quando vamos montar uma peça de teatro precisamos fazer várias escolhas.
Sobre o que queremos falar?
Vamos escolher uma peça pronta ou criar?
Como vamos criar o espetáculo?
Para quem será apresentado?
Como será o cenário, o figurino, a iluminação, a sonoplastia?
São muitas as perguntas que vamos respondendo conforme fazemos escolhas e as escolhas feitas podem ser feitas por muitos motivos, desde razões práticas, como por exemplo a verba disponível para elaboração dos elementos da cena ou o espaço disponível para a apresentação, como escolhas estéticas.
Um grupo de teatro pode existir, independentemente da montagem que fará e a montagem ser resultado de um processo de vivências criativas, mas também pode existir com o objetivo de montar um espetáculo pré-definido, seja pela direção, seja por parte do elenco.
A forma de apresentar, quando decorrente de uma concepção estética estará embasada em visões sobre o sentido do teatro, sobre um determinado entendimento de sua relação com a plateia ou uma visão de qual deve ser o processo de criação do personagem.
A estética teatral resultante de todas estas escolhas pode ser clara, pode ser o que guia as escolhas feitas, mas também pode ser um pouco misturada, já que a definição de todos os aspectos poderá estar pautada não em uma escolha prévia, com uma linha bem delimitada, mas como resultado de diferentes escolhas, que encontram uma coerência para esta obra, podendo carregar um certo hibridismo.
Seja qual for seu percurso, uma coisa é certa: é sempre bom conhecer o que você está escolhendo e não correr o risco de apresentar um espetáculo que diga coisas que você não gostaria de dizer, mas que ignora o sentido e por isso acaba se expressando de maneira contrária ao que você mesma acredita.
Nas vezes que assisti uma peça de teatro para bebês foi difícil saber para onde olhar, se para a cena ou para os bebês!
Como diz Luiz André Cherubini no documentário do Grupo Sobrevento – A Bailarina, que você pode acessar neste link, é incrível a capacidade dos bebês de se maravilharem e se encantarem com coisas bem simples.
Esse maravilhamento, tão característico dos bebês, que estão permanentemente descobrindo o mundo onde estão, se evidencia na maneira pela qual se relacionam com um espetáculo teatral que consegue criar uma forma que se comunique com eles. É muito emocionante ver a intensidade deste encontro!
Grupo Sobrevento
E o que é teatro para bebês?
Uma resposta para essa pergunta seria no mínimo uma demonstração de presunção deste blog, afinal, como qualquer forma teatral, é muito difícil criar definições que não sejam visões limitadoras de uma criação artística, mas vamos tentar dar alguns contornos que ajudem a compreender.
Um aspecto fundamental para saber o que pode ser um bom espetáculo para bebês é saber mais sobre os bebês, sobre seus interesses e as diferentes maneiras com que se relacionam no mundo.
Ter como premissa que o bebê é uma pessoa com um enorme potencial poético, que se emociona de forma estética, que é sensível e que entende emoções é um bom início de caminho.
Reconhecer que os bebês estão no mundo há pouco tempo e que os sentidos são um potente canal de exploração do mundo também é parte da compreensão desta linguagem.
Scaratujas, Cia. Catarsis
Por fim, respeitar a delicadeza desta fase da vida, sem que se ofereça uma explosão de sons e cores, como se o bebê precisasse do excesso é um reconhecimento de suas características. Bebês precisam de muito no sentido de que qualquer espetáculo precisa ter muito o que dizer, ser poético e conhecer o seu público, mas precisa de pouco se pensamos em quantidade de estímulos. São seres sensíveis, mas muito atentos ao que estão vivendo!
Você pode ler neste blog comentários sobre as peças Achadouros, do Grupo Sobrevento e Scaratuja, da Catarsis. E assim que puder, leve um bebê ao teatro e se encante junto com ele!
Para a maior parte das pessoas que não trabalha com teatro, a concepção a respeito do ensaio teatral é de ser uma ação que permite a elaboração de uma peça, a criação das cenas e culmina na apresentação do espetáculo pronto.
Sim, o ensaio é tudo isso mesmo!
Mas, quando pensamos em teatro nos espaços educativos, será que é a mesma coisa que no teatro profissional?
A primeira pergunta a nos fazermos é se na educação, o teatro precisa sempre resultar em uma apresentação? A resposta para essa pergunta não é uma só, pois depende da faixa etária, do propósito, do contexto no qual o teatro foi inserido. Nem sempre precisa resultar em uma apresentação, mas é muito interessante que resulte, principalmente quando estamos falando de crianças e jovens de mais de 10 anos.
Foto de Cottonbro no Pexels
Então o ensaio, nesta situação, terá como propósito criar a apresentação e fazer com que os alunos não fiquem perdidos no momento que estão em frente a uma plateia?
Sim e não! Sim porque o ensaio será o momento para a elaboração da peça e para que todos tenham segurança de poder apresentar seu trabalho para uma plateia. Não porque o ensaio é também o momento de criação e de aprendizagem.
Precisamos lembrar que nos espaços educativos o foco principal é a aprendizagem e que a apresentação será o resultado do que foi possível aprender.
Isso não significa que não devemos nos preocupar com a apresentação, pois a apresentação faz parte das aprendizagens da linguagem teatral, mas o ensaio não pode estar somente preocupado com a apresentação, pois desta maneira estaríamos invertendo as prioridades.
O ensaio nos ensina a relação com o público, ensina a repetir sem ficar sem graça, a descobrir a melhor maneira de encenar, justamente pela busca dentro da repetição que vai recriando e aperfeiçoando. É no ensaio também que o grupo se fortalece como tal e fica pronto para mostrar seus aprendizados em forma de cena teatral.
Entender o que é fazer teatro pode ser difícil, mas quando juntamos a isso a compreensão do que pode ser teatro na Educação Infantil, o meio de campo acaba de embolar!
Aproveito para este post um trecho do texto da Marina Marcondes Machado, que você pode ler na íntegra acessando este link e abrindo o livro Percursos de Aprendizagem: Práticas Teatrais.
Neste texto Marina irá relacionar o teatro para esta faixa etária com o teatro pós-dramático. Ela diz:
“Quando a criança está brincando de faz de conta, ela é dissimulada? Mentirosa? Ilusionista? O leitor atento, que acompanhou os capítulos anteriores, responderá: “não”. Mas o que está acontecendo, então, com a criança no momento em que brinca de faz de conta? Há quem diga, como Sarmento, que a expressão “faz de conta” é inadequada para essa conduta da criança, uma vez que todo observador mais cuidadoso sabe quão verdadeira é aquela narrativa, cena do cotidiano, drama ou conflito. Existe, sim, algo no faz de conta que Artaud defendeu em sua estética, a mesma energia/sinergia que os encenadores contemporâneos pretendem, inclusive, resgatar no corpo do ator-performer.
O professor leigo não precisa ocupar-se das minúcias deste debate, mas deve estar atento para uma nova forma de teatro que surgiu a partir das décadas de 60 e 70, onde a linearidade aristotélica, do tempo do começo-meio-e-fim, não se faz mais presente ou necessária. Isso aconteceu também no cinema: quem não assistiu ao menos a um filme que se recusou a acabar, ou seja, que deixou “em aberto” o final da história que contava?
E se artistas profissionais estão praticando um tipo de linguagem mais “caótica”, desorganizada do ponto de vista realista, com cenas sobrepostas, ou ainda, apresentando músicas e ruídos concomitantes, interposto a um silêncio cortante, como e por que um professor de crianças precisaria ater-se a um teatro que representasse “Chapeuzinho Vermelho”, “Os Três Porquinhos”, ou “Os Três Reis Magos” com a proximidade do final do ano? E o que seria trabalhar de “outro modo”, na chave do teatro pós-dramático?”
Neste texto, Marina nos dá uma pista sobre um dos aspectos do teatro da primeira infância: ele não precisa contar uma história de forma linear! Os pequenos e pequenas podem brincar com idas e vindas no tempo, sem uma narrativa que parta de um ponto definido e que tenha uma sequência de ações, uma consequência da outra para chegar ao final.
O teatro da educação infantil pode ser caótico, pode não ter fim, pode ter muitas vezes a mesma experimentação, como uma cena em looping que se repete de várias maneiras ou da mesma incontáveis vezes.
Quem nunca contou a mesma história para uma criança e ao terminar ouviu: de novo! Dar oportunidade para este de novo na experiência teatral é um dos aspectos a ser garantido na Educação Infantil.
Esta proposta pode ser feita com diferentes faixas etárias, porém para as crianças de Educação Infantil esta prática estará em diálogo com o faz-de-conta que a criança já faz com objetos. Neste sentido a proposição de uma montagem teatral faz mais sentido para as crianças maiores de 5/6 anos.
As imagens deste post foram retiradas da página do Festival Internacional de Teatro de Objetos
Para quem?
Qualquer pessoa com mais de 6 anos
Condições necessárias
Uma sala com espaço para que todos se movimentem.
Materiais necessários
Objetos variados, que podem ser trazidos pelos participantes ou pelos professores que irão propor a experimentação.
Equipamentos de som e de luz, que podem ser um celular com uma caixa acoplada para o som e lanternas e abajures para a luz, mas caso você tenha uma mesa de luz disponível, use-a!
Como acontece?
Esta proposta é continuidade da parte 1 da criação de um teatro de objetos, na qual foi feita uma experimentação individual com bonecos. Leia aqui este post.
Agora iremos criar uma apresentação coletiva, que pode ser feita com seu grupo de alunos dividido em grupos menores ou uma única apresentação de toda a turma.
Neste momento vocês poderão optar por dois caminhos: fazer uma criação coletiva partindo das cenas individuais ou utilizar um texto ou uma história já escrita como base para a apresentação.
Primeiro caminho – criação coletiva
Ao optar pela criação coletiva partindo das cenas, o primeiro trabalho é estabelecer uma narrativa que estabeleça relação entre as cenas. Esta relação pode ser estabelecida por uma temática que surja das cenas individuais ou por um fio condutor, por uma sequência narrativa que buscará contar uma história que relacione as cenas criadas anteriormente.
É importante que todos entendam que as cenas individuais são a base desta nova montagem, mas que todas elas irão se transformar em novas cenas, que misturam personagens e situações.
Depois de definida a estrutura central da peça, volte a improvisar, criando as novas cenas e montando a apresentação da peça.
Segundo caminho – partir de um texto ou história já escritos
Neste caso vocês irão buscar quais as possíveis relações entre as apresentações individuais e a história já criada. Depois de encontradas estas relações, devem partir para novas improvisações que possibilitem a utilização de outros objetos e de novas combinações.
Luz e som
Nos dois caminhos a luz e o som chegarão como complemento às improvisações e às cenas, quando definidas.
Um som ou uma luz pode transformar o que está sendo criado, por isso devem fazer parte das improvisações, dialogando com as cenas e dando novas ideias sobre como elas serão criadas.
Apresentação
A apresentação desta peça poderá ser feita em etapas, isto é, inicialmente para um grupo de colegas, que pode ser outra sala de aula e alguns professores, depois para outro grupo de colegas e para a comunidade escolar – pais e amigos. É sempre interessante fazer mais do que uma apresentação, pois a compreensão sobre o fazer teatral se modifica a cada apresentação feita.
Um bom texto e boas atuações quase sempre já garantem diversão em uma peça de teatro. Anjo de Pedra tem os dois, mas tem mais!
Começo falando sobre o texto, que para quem não conhece, vale a pena! É lindo, poético e embora tenha sido escrito em 1948 por Tennessee Williams, continua atual. A adaptação foi feita pelo Nelson Baskerville e por Luis Marcio Arnaut e no programa do espetáculo é possível saber mais sobre o processo de construção do texto usado na peça.
A Sinopse da obra, divulgada no programa diz:
“Verão de 1916.
John está em férias da faculdade de medicina. Alma, sua vizinha, apaixonada desde criança, tenta se aproximar. Ela é filha de um pastor anglicano, educada na rigorosa tradição do Sul dos Estados Unidos. Para a mulher, tudo é pecado, proibido ou imoral.
Ele é uma espécie de playboy, ateu, não apegado a regras e moral, mulherengo e desleixado.
O romance entre eles é impossível. Com base no romance A virgem e o cigano [1922] de D. H. Lawrence, Tennessee Williams revive o mito da Fênix ao figurar em John as mudanças comportamentais exigidas para um “homem de bem”; e em Alma, da mulher sufocada, pela tradição e pela sociedade, àquela que busca viver sua subjetividade em plenitude.”
Foto de Ronaldo Gutierrez
Nenhum ator sobra, nem atrapalha, o que nem sempre é possível em uma montagem com 8 em cena. Há uma justeza, um pertencimento de cada personagem reconhecível nos gestos, na precisão dos movimentos, na intensidade das expressões.
Os dois protagonistas, representados por Sara Antunes e Ricardo Gelli emocionam, provocam aquele estado tão desejado quando vamos ao teatro, que é de ficar com a atenção plena no que está passando, a torcida pelo que virá, o desejo de que eles encontrem alguma maneira de viver as emoções tão pulsantes em sua plenitude. Se encontram, não direi, seria um spoiler desnecessário.
Para além da beleza do texto e da atuação, a proposta de encenação também delicia. Assisti na estreia, no Tuca Arena e a montagem faz da arena um cúmplice. A direção consegue o que se espera dela, uma integração do elenco e um espetáculo no qual nenhum elemento rouba a cena, todos dialogam, criam a trama, nos colocam em conexão.
Espetáculo de duas horas no qual em nenhum momento olhei para o relógio. Vale a pena! Vai lá!!!
Para saber mais informações, entre no instagram da peça @anjodepedra_
Direção: Nelson Baskerville
PRODUÇÃO Rodrigo Velloni
ADAPTAÇÃO Nelson Baskerville e Luis Marcio Arnaut
TRADUÇÃO Luis Marcio Arnaut e David Medeiros
ELENCO
Sara Antunes
Ricardo Gelli
Carolina Borelli
Luiza Porto
Thomas Huszar
Atrizes Convidadas: Chris Couto e Selma Luchesi
Ator Convidado: Kiko Marques
Assistente de Direção: Anna Zêpa
Música Original e Direção Musical: Marcelo Pellegrini
Cenografia: Chris Aizner
Iluminação: Wagner Freire
Figurino: Marichilene Artisevskis
Direção de Imagem: André Grynwask e Pri Argoud (Um Cafofo)
Esta proposta pode ser feita com diferentes faixas etárias, porém para as crianças de Educação Infantil esta prática estará em diálogo com o faz-de-conta que a criança já faz com objetos. Neste sentido a proposição de uma montagem teatral faz mais sentido para as crianças maiores de 5/6 anos.
Para quem?
Qualquer pessoa com mais de 6 anos
Condições necessárias
Uma sala com espaço para que todos se movimentem e objetos.
Materiais necessários
Objetos variados, que podem ser trazidos pelos participantes ou pelos professores que irão propor a experimentação.
Esta imagem está disponível na página do FITO – Festival Internacional de Teatro de Objetos
Como acontece?
Esta proposta pode acontecer de maneira individual, em duplas ou em grupo, mas a primeira parte da proposta deve ser oferecida de maneira individual.
A ideia é que cada um possa explorar diferentes objetos e transformá-los em personagens, criando cenas com eles, contando histórias ou provocando sensações. O que precisa ser compreendido por cada um é que o objeto se transformará em algo diferente do que ele é, mas inspirado em sua forma, sua função ou no que ele remeta ao criador deste personagem.
O motivo pelo qual vale a pena oportunizarmos um momento de interação individual é para que cada um possa explorar esta interação, porém as crianças de dez a quinze anos podem sentir-se muito ridículas com uma proposta como esta, então poderá ser mais interessante criar grupos e narrativas prévias nas quais fique claro que eles estão fazendo teatro e não brincando como crianças pequenas.
Após a exploração individual, proponha que cada criança apresente uma cena com os objetos com que interagiu. Para isso é interessante criar um espaço de apresentação, que pode ser no chão ou sobre uma mesa, mas que seja um espaço delimitado para que ao estarem neste lugar, sabemos que estes objetos estão em cena.
